Artistas "entrelazados" tejen belleza, memoria, historia y trauma en el arte textil y de fibras

Entwined: A Group Exhibition of Textile and Fiber Art, en el Museo de Arte Marietta Cobb hasta el 4 de junio, es la última presentación de la curadora del museo Madeline Beck de perspectivas poco convencionales y estéticamente convincentes sobre géneros tradicionales, que parecen estar desarrollándose como su estilo característico. Como en exposiciones anteriores, utiliza principalmente obras de artistas del área metropolitana y, como siempre, Beck ha prestado especial atención a la diversidad de todo tipo, incluida la estética.

Aunque los métodos y materiales tradicionales del arte textil y de fibras están presentes en todas partes, se combinan con cualquier cantidad de materiales no tradicionales, o se componen casi en su totalidad de ellos, como en el caso de Sigh, la escultura en forma de canasta de Sally C. Garner de 2021 tejida con tubos de respiración médica.

Garner utiliza el tejido en una amplia variedad de formas poco convencionales. En Altered Timelines No. 4, Jade (2022), une palillos de bambú para formar un tejido flexible basándose en la idea de desatar los radios de una canasta. Droplet in Time (2022) utiliza tiras tejidas a partir de impresiones de cianotipo.

Ali O'Leary también incorpora la fotografía a los medios artesanales, ya que superpone bordados de algodón sobre fotografías de satén acolchado. Los resultados de este método son obras de arte magníficas pero cargadas de teoría. Un ejemplo es Presencia (2021), en el que la palabra del título aparece y desaparece debajo de una imagen de océano y cielo, un efecto lenticular que depende del ángulo desde el que se mire.

Estos procesos imprevistos son subversiones bastante simples de los textiles habituales en comparación con otras contribuciones, como la costura a mano de Susan Lenz en fragmentos de colchas antiguas que unen todo tipo de objetos cotidianos igualmente antiguos en mandalas de círculos concéntricos. Taxis de juguete, tapas de especieros y adaptadores de discos de 45 rpm son una pequeña fracción de la variedad de objetos incorporados en estas investigaciones de la historia y la memoria.

En sus sorprendentes combinaciones de textura y color en piezas de pared, Gabrielle Torres utiliza telas arrancadas de jeans, botellas de vidrio y cabello sintético, pero agrega plantas vivas como la hiedra inglesa; se mantendrá vivo durante toda la exposición a medida que las partes se marchiten o caigan.

Como ocurre con todo el resto del arte de esta exposición, el efecto es estéticamente atractivo e intrigante a nivel conceptual y práctico: ¿qué implican transformaciones tan inesperadas de los procesos tradicionales? La curiosidad sobre esta pregunta probablemente sea una conclusión de la exposición para el público que no está familiarizado con las prácticas del arte textil contemporáneo.

En el contexto desorientador de esta exposición, incluso la comodidad comparativa de las impresiones por sublimación de tinte de Rose M. Barron sobre pancartas de seda, que representan a mujeres vestidas con túnicas ondeantes sumergidas en agua corriente, puede parecer desconcertante. Lo mismo es aún más cierto para Spirit Is a Bone (2020), inicialmente de aspecto familiar y que llena las paredes, de Sonya Yong James, que entreteje sábanas antiguas tejidas a mano y dientes de coyote, huesos de cuervo y cenizas de perro para crear una meditación convincente. sobre la historia y la mortalidad.

El trauma emerge como un subtema constante, a menudo de maneras inesperadas, como en los trajes de Nicole Benner tejidos a crochet con hilo de cobre, una incomodidad literal que simboliza una vida vivida con dolor físico crónico.

Algunas de las esculturas de figuras de Jess Self hechas de lana punzonada están colocadas en posiciones que reflejan la respuesta a traumas pasados, pero Wholeness (2021) tiene una variedad de textiles de color crema que cubren una versión de su cuerpo con estructura de alambre, con un montón de telas sueltas. tela a sus pies, que simboliza el proceso de alcanzar la plenitud que Carl Jung vio como la unificación del consciente y el inconsciente.

Hannah Ehrlich aborda la conciencia y la oscuridad interior a través de un método muy diferente. Sus ahora familiares tapices de pared continúan su exploración del caos y el orden en la vida emocional en piezas como Los moretones de 2023 por conocerte, he llegado a saber que son hermosos.

Todos los temas de la exposición (historia, memoria personal, trauma y transformación) encuentran su lugar en el trabajo de los artistas afroamericanos, pero su estética personal sigue siendo la principal preocupación.

La combinación de redes tejidas/anudadas, tejidos para el cabello, cuentas para el cabello, banderines y una docena de otros materiales en Blue Magic (2022) de Zipporah Camille Thompson evoca en lugar de ilustrar literalmente.

Lo mismo, aunque de una manera completamente diferente, se aplica a las composiciones de madera reutilizadas de Ato Ribeiro en un estilo característico que algunos recordarán de la exitosa exposición colectiva de Johnson Lowe Gallery, The Alchemists.

El uso de arcilla roja y tela encerada holandesa por parte de Jamele Wright Sr. también es familiar en exposiciones recientes, pero se amplía sutilmente en la serie Retratos de familia.

Sus variados enfoques metafóricos contrastan marcadamente con los medios tradicionales y el tema radical de las imágenes afrofuturistas manipuladas digitalmente de Richard-Jonathan Nelson, un enfoque de la cultura negra queer a través de telas jacquard. El título de una obra de 2023 lo resume de manera sucinta: Ve a salir del alcance de lo inusual.

Además de sus cuestiones culturales que traspasan los límites, Entwined sigue dedicado a la belleza, pero a veces una belleza difícil.

Los marcos de gres de Kathryn Somers tejidos con diversas fibras y adornos de alambre son puros tours de force en los que la textura y el color se bastan por sí solos en sus combinaciones innovadoras.

En un sentido casi opuesto, los cuadrados de bordados florales y de texto de Kate Burke en hilo suspendido de clavijas se registran primero como experiencias sensoriales. Las preocupaciones elocuentemente expresadas por Burke sobre la insuficiencia de la tecnología para contener y comunicar emociones de dolor y pérdida están subordinadas al placer visual inmediato de los objetos mismos.

A pesar de estar a menudo tan inmerso en ideas que el texto en la pared es esencial, Entwined es un placer para la vista, así como un desafío intelectual para contemplar.

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Las reseñas y ensayos del Dr. Jerry Cullum han aparecido en la revista Art Papers, Raw Vision, Art in America, ARTnews, International Journal of African-American Art y muchas otras revistas populares y académicas. En 2020 recibió el Premio Rabkin por su destacada contribución al periodismo artístico.

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